Canciones con historia: “Tú serás mi baby” (‘Be My Baby’). Les Surfs. The Ronettes

abril 26, 2021

En la España de los años 1960, en pleno proceso de cambio, la música también hace su revolución particular al provocar el despertar de los jóvenes al son de las tendencias foráneas. Unos años donde se impulsaron iniciativas como la “canción del verano”, fenómeno más sociológico que musical, al que José Ramón Pardo, reconocido comentarista, definió como: ‘de canciones intrascendentes, porque en verano se nos duermen las neuronas y aceptamos cualquier tema’.

En sus inicios, la ‘canción del verano’, donde la calidad no era lo más importante, solía tener un estribillo pegadizo, muy bailable, de letras alegres, en un repertorio veraniego de amores fugaces, animados guateques y ambiente despreocupado. Alguien se dio cuenta años más tarde que para triunfar en verano no era indispensable recurrir a esos tópicos y comenzaron a aparecer otro tipo de canciones durante la temporada estival, si bien al principio la playa, el sol y el mar eran los referentes de un género que nunca renunció a su trasfondo romántico y sentimental. Una de la causas del éxito fue la ‘explosión’ del disco ‘sencillo’ con la música “ye-ye”, que acogía a todo tipo charangas en unos meses tradicionalmente considerados de paréntesis musical. Las firmas discográficas contaron desde el principio con el apoyo indirecto de las emisoras de radio, que dándose cuenta de la gran aceptación popular potenciaron su programación con este tipo de canciones. En ese contexto nace “Tú serás mi baby” interpretada por el grupo Les Surfs que fue proclamada canción del verano de 1964, llegando al Nº 1 de las listas de éxitos.

“Tu será my baby”- “By My Baby”


Les Surfs interpretando “Tú serás mi baby”.

Les Surfs son un grupo musical que gozó de gran popularidad en los años 1960, sobre todo en los países de habla francesa y española, compuesto por seis hermanos, que nacieron en Tananarive, capital de Madagascar. Descendientes de una familia malgache, como se conoce a sus habitantes, comenzaron a cantar en 1958 con el nombre de Rabaraona Frères et Soeurs ganando un concurso organizado por Radio Tananarive interpretando temas de The Platters. Más tarde, con el nombre de Les Beryls iniciaron una serie de giras por su país con gran éxito. A petición del gobierno francés, en 1963 fueron elegidos para representar a Madagascar en la última exposición celebrada en París de Radio y Televisión en la inauguración de la segunda cadena televisiva. Nada más llegar una audición les catapultó a la fama (grabaciones, televisión, radio, presentaciones…) ganándose la simpatía de todos. Fueron contratados por la firma discográfica Disques Festival ya como Les Surfs, en referencia al nuevo ritmo USA, el surf, que en aquellos años hacía su aparición en el panorama musical. Su corta estatura nunca fue obstáculo para convertirse en importantes figuras de la canción, logrando su primer éxito con ‘Reviens vite et oublie’. Con “Tú serás mi baby”, versión de ‘Be My Baby’ de The Ronettes, alcanzaron una gran popularidad en todos los países de habla hispana. En el Teatro Olympia de París se consagraron como grandes ídolos de la juventud y la revelación del año en Francia. Participaron en cuatro ocasiones en el famoso Festival de San Remo italiano donde acudían muchas de las grandes figuras de la canción. Como les pasó a otros muchos grupos, los cambios en las modas musicales comenzaron a limitar sus actuaciones, separándose en 1971 tras una gira por diversos países.

“Tú será mi baby”, antes de su lanzamiento por Les Surf,  ya era un tema de calidad contrastada. Su versión original ‘Be My Baby’ interpretada por The Ronettes llegó el Nº 2 en las listas Billboard Hot 100 USA y el Nº 4 en la británica Record Retailer. Compuesta en 1963 por Phil Spector, Jeff Barry y Ellie Greenwich, artífices de muchas de las canciones de éxito de entonces, tuvieron una gran influencia musical en algunos de los grupos más famosos. Philp Spector, por ejemplo, con su técnica de orquestación denominada ‘muro de sonido’, consistente en la grabación de múltiples pistas de acompañamiento que se superponían hasta crear un sonido compacto, fue requerido para sus grabaciones por bandas como The Beach Boys o The Beatles. 

The Ronettes, grupo musical de la década de 1960, son conocidas sobre todo por sus trabajos Phil Spector. Compuesto por tres mujeres: Veronica Bennett, voz principal, que luego cambió su nombre por Ronnie Spector (tras casarse con Phil en 1968), su hermana Estelle y su prima Nedra Talley. Después de negarse a publicar su primer disco, con cuatro de sus canciones atribuidas a otro grupo, empezaron a trabajar en ‘Be My Baby”, grabándola en julio de 1963, convirtiéndose a los pocos meses en un gran éxito. ‘Nuestras vidas sufrieron un giro de 180 grados. Todas las cosas que habíamos soñado se estaban convirtiendo por fin en realidad’, declaraba Ronnie Spector al respecto. Un triunfo rotundo que las radios emitían a todas horas. Fue también la primera grabación de la reconocida cantante Cher, participando junto a Estelle y Nedra que le ofrecieron unirse a los coros al no presentarse una de las cantantes. “’Be My Baby’ fue la primera canción que grabé… Salí, me coloqué delante de un gran altavoz y canté ‘be my, be my baby’ con The Ronettes y las demás cantantes”, confirmó luego. En esa época, Cher era la novia de Sonny Bono (quien también trabajaba con Phil Spector) con el que luego formó el famoso dúo Sony & Cher.


The Ronettes interpretando ‘Be My Baby’ en 1963.

‘Be My Baby’ está considerada una de las mejores canciones de los años 1960. Según el crítico Jason Ankeny: ‘Ni más ni menos que Brian Wilson ha declarado que ‘Be My Baby’ es la mejor canción pop grabada en la historia, punto’. El propio Wilson confirmó que el tema ‘Don’t Worry Baby’ interpretado por The Beach Boys, banda de la que fue fundador, era la respuesta masculina a esta canción. Se llegó a decir que la escuchaba cien veces al día. Precisamente Phil Spector, uno de sus creadores, dijo al respecto: “Me gustaría tener un centavo por cada porro que se ha fumado intentando averiguar como conseguí el sonido de ‘Be My Baby’”. La versión de Les Surf, “Tú serás mi baby”, alcanzó una gran popularidad en los países de habla hispana y francesa. Nº 1 en España, fue declarada ‘canción del verano’ en 1964.


Canciones con historia: “Gimme Hope Jo’anna”. Eddy Grant

enero 11, 2021

“Gimme Hope Jo’anna” (‘Dame esperanza, Jo’anna’), tema escrito e interpretado por Eddy Grant, es también un himno contra el apartheid en Sudáfrica. Canción prohibida por su gobierno, nadie pudo impedir que se escuchase por todo el país. ‘Jo’anna’ representaba no solo el icono de la ciudad de Johannesburgo, sino también al gobierno que finalmente acabó con el apartheid y otras figuras emblemáticas como Desmond Tutu, arzobispo, citado en la letra, premio Nobel de la Paz. También al barrio negro de Soweto, cercano a Johannesburgo, conocido por su gran resistencia, uno de los núcleos urbanos más luchadores, tomado más tarde como ejemplo por otros países.

El apartheid (‘separación’), en vigor en Sudáfrica hasta 1992, era un sistema de segregación racial. Básicamente consistía en la creación de lugares separados para los diferentes grupos raciales abarcando todos los ámbitos de convivencia. La raza blanca tenía el poder exclusivo para ejercer el voto, estando prohibidos los matrimonios, incluso las relaciones sexuales, entre blancos y negros. Su propósito era conservar el poder de esa minoría (21 %) a toda costa, una posición de privilegio que habría perdido casi con seguridad en condiciones normales de democracia. Hasta 1948, los negros podían votar con muchas restricciones, pero a partir de ese año con la victoria del Partido Nacional (National Party), que gobernó el país hasta mayo de 1994, se instauró un sistema basado en la división de los diferentes grupos raciales para promover, según se decía, el desarrollo. Un movimiento dirigido por la raza blanca, un nuevo sistema que estableció todo tipo de leyes, que por sus enormes contradicciones dio lugar a revoluciones y resistencia de los ciudadanos, principalmente de la raza negra. Tras una serie de acontecimientos con graves consecuencias para el gobierno, fue el principio del fin del régimen del apartheid en Sudáfrica, siendo 1992 el último año en que sólo votaron plenamente las personas de raza blanca.

“Gimme Hope Jo’anna” está considerada una canción del movimiento reggae, un género musical que tiene su origen en Jamaica hacia mediados de los años 1970. Aunque a veces el término se utiliza para referirse a diferentes estilos de música, en sentido estricto se trata de un género específico que procede del ska (popularizado en la primera mitad de los años 1960, derivado de la fusión de la música afroamericana de la época con ritmos populares de Jamaica) y el rocksteady (sucesor del ska a finales de esa década, cuyo nombre viene de una forma de baile precursor directo del reggae). The Wailers, banda formada en 1963 por Bob Marley, Peter Tosh y Bunny Wailer, son quizá el grupo más conocido del movimiento reggae. Una música que fue declarada Patrimonio Inmaterial de la Humanidad por la UNESCO en noviembre de 2018.


Eddy Grant interpretando en directo ‘Gimme Hope Jo’anna’ en French TV

“Gimme Hope Jo’anna”

Aunque muchos creen que Eddy Grant (Edmond Montague Grant) es sudafricano por su dedicación a la lucha contra el apartheid (discriminación racial) en ese país, ni siquiera es africano. Nació en Guyana (1948), país sudamericano en la costa del Atlántico Norte muy vinculado culturalmente con la región del Caribe con cuyos estilos de música creció desde muy joven. De ahí el alma caribeña que siempre le ha acompañado.

En 1960 emigró con su familia a Londres donde empezó a escuchar otros tipos de música como el rock, R&B o el blues. Sus inicios estuvieron muy influenciados por The Beatles y The Rolling Stones. En 1965, con 17 años, formó The Equals, su primer grupo. Autor de muchas de sus canciones, tocaba la guitarra. Pronto se convirtieron en la banda de música multirracial más importante del Reino Unido. Su éxito más importante fue ‘Baby, come back” (Nº 1 en el Reino Unido).

Sin abandonar The Equals, que finalmente hizo en 1972, en 1969 edita su primer single en solitario, logrando sus mayores triunfos en la década de 1980. Tras un periplo con muchos vaivenes, en 1982 lanza al mercado ‘Killer on the Rampage’, su álbum más exitoso (top 10 en EEUU y Reino Unido), destacando temas como ’I Don’t Wanna Dance’, primer single del disco, Nº 1 de las listas británicas y ‘Electric Avenue’, otra de sus canciones, Nº 2 de la listas Billboard Hot 100 USA. En 1988, con “Gimme hope Jo’anna” consigue un éxito fulminante (Nº 1 en Holanda, Nº 4 en Alemania, Nº 7 en Reino Unido y Nº 8 en Francia). En España se mantuvo como Nº 1 varias semanas y fue declarada canción del verano 1988. Un tema que ya se ha dicho contenía un importante mensaje político con estrofas como: ‘Jo’anna dirige un país, lo dirige en Durban y en Transvaal, hace que unos cuantos estén felices, pero no se preocupa del resto. Tiene un sistema al que llama Apartheid, somete a un hermano, pero posiblemente la presión haga ver a Jo’anna cómo todos podemos vivir como uno solo’. Fue su último top 10 en las listas británicas. Aunque sigue grabando en la década de 1990, su carrera comienza a declinar, dedicándose a partir de entonces a producir a jóvenes artistas y editar recopilaciones, algunas propias y otras de grandes artistas del calypso, género musical caribeño muy popular.

Autor de grandes éxitos, en un artículo publicado en el diario ABC (2001) Eddy Grant señalaba su principal fuente creativa: ‘Puedo escribir cientos de composiciones, pero sin la inspiración divina no se convierten en grandes temas’. Confirmaba que en el fondo seguía siendo un compositor: ‘Es mi vida, siempre ha estado ahí. El resto es amor’. Pionero de la fusión musical, decía: ‘Hago las canciones de forma orgánica, no para seguir una moda’. Y añadía: ‘No es bueno pensar en la popularidad. Mi música sale directamente del corazón, no sé hacerla de otra manera. Sigo teniendo mucho que decir’. “Gimme hope Jo’anna” es un excelente ejemplo, un éxito en todo el mundo y un himno contra el apartheid.


Eddy Grant, acompañado de Kurt Darren, cantando en directo “Gimme Hope Jo’anna” en el concierto celebrado en Hyde Park, Londres (2008) por el 90 cumpleaños de Nelson Mandela (‘Live at Nelson Mandela Concert’) que contó con la presencia de grandes artistas.


Canciones con historia: “¿Quien me ha robado el mes de abril?”. Joaquín Sabina

octubre 2, 2020

Joaquín Sabina siempre ha estado de moda. Ahora también. O quizás más. Aunque por distintos motivos. Sus temas suelen encerrar una interesante historia que contar. Si nos hemos decidido por “¿Quien me ha robado el mes de abril?” es por su significado, muy actual por lo que ha supuesto este mes del año 2020 para todos los españoles confinados en sus casas a causa de la terrible pandemia que asola al mundo. Con la dura sensación de que algo les han ‘robado’ en su vida.

Por fortuna, la triste realidad de esos días estuvo acompañada a menudo por la música que, actuando a modo de revulsivo, intentaba levantar el ánimo en momentos tan complicados. Un ejemplo fue la canción “Resistiré” del Dúo Dinámico convertida en himno de agradecimiento a los sanitarios entregados en cuerpo y alma a salvar vidas, sin pensar en la propia. La gente, mientras les aplaudía en la distancia, asomada a los balcones la cantaba diariamente a las 8 en punto de la tarde. Por motivos distintos, “¿Quien me ha robado el mes de abril?” fue también protagonista de muchas conversaciones en esos meses de confinamiento. Fueron en este caso las redes sociales las que auparon a lo más alto a Joaquín Sabina y su tema.

Incluida en el álbum ‘El hombre del traje gris’ (1988), “¿Quien me ha robado el mes de abril?” fue compuesta en su mayor parte durante la reclusión del célebre cantautor en el Monasterio de El Paular (Rascafría- Madrid). Con una letra triste y melancólica, encaja muy bien no solo con un mes normalmente lluvioso, sino también con los duros momentos que se vivieron a causa del coronavirus con la mayoría de las personas encerradas en sus casas esperando a que la evolución de la pandemia mejorase. Añadir que, para mayor coincidencia, Joaquín Sabina le dio los últimos coletazos (1988), en cierta manera también confinado en un monasterio. Una canción que arranca en las primeras estrofas diciendo:
“En la posada del fracaso / Donde no hay consuelo ni ascensor / El desamparo y la humedad / Comparten colchón / Y cuando por la calle pasa / La vida como un huracán / El hombre del traje gris / Saca un sucio calendario del bolsillo / Y grita / Quién me ha robado el mes de abril / Cómo pudo sucederme a mi”.

Una primera versión del tema fue incluida en la banda sonora de ‘Sinatra’, película protagonizada por Alfredo Landa. En una entrevista al diario ABC, Pancho Varona, uno de los asiduos colaboradores de Joaquín Sabina contaba: “La intro de guitarra la hice yo. Jaime Asúa hizo el solo de guitarra, que es precioso. Al principio lo iba a hacer con armónica, pero alguien dijo que mejor con guitarra. La chica de los coros se llamaba Esther Godínez. Creo que la grabamos en el estudio Circus, que me parece que era de Luis Cobos”. Lo que ya no recuerda bien, o no tiene claro, es que Sabina la escribiese en el Monasterio de El Paular: “Me parece que fue una de las que compuso antes, porque creo recordar que la banda sonora de ‘Sinatra’ salió un tiempo antes que el disco. Además, durante su reclusión en el Monasterio de El Paular yo estuve con él todo el tiempo, y las que me suena que se hicieron allí son ‘Besos en la frente’, ‘Peligro de incendio’, ‘Cuando aprieta el frío’ y otras. En Canarias hicimos otra tanda, en el hotel Santa Catalina, y en el mismo estudio hicimos ‘Una de romanos’ y ‘El rap del optimista’.

Cantautor y poeta, Joaquín Ramón Martínez Sabina, Joaquín Sabina, nació en Úbeda (Jaén) en 1949. Con solo catorce años comenzó a escribir poemas y a componer música en una banda formada con sus amigos. Se dedicaban sobre todo a versionar a cantantes famosos de rock como Elvis Presley, Chuck Berry o Little Richard.

De ideología de izquierdas, se relacionó con movimientos contrarios al régimen franquista, viéndose obligado a exiliarse a Londres en 1970 donde colaboró con el Club Antonio Machado, uno de los centros frecuentados por emigrantes y exiliados. Allí escribió sus primeras canciones. Se cuenta como una de sus anécdotas más conocidas que en 1974 actuó ante George Harrison, quien celebraba su cumpleaños en un bar local llamado Mexicano-Taverna. Parece que al final de su actuación el famoso componente de The Beatles le dio una propina de cinco libras. En algunas entrevistas, Joaquín Sabina relata distintas versiones al respecto, desde que conserva el billete de la propina como un tesoro, a que lo perdió en una mudanza y en alguna otra a desmentir hasta su propia leyenda: “En realidad, me los bebí aquella misma noche”.

En 1977, dos años después de la muerte de Franco, consigue volver a España gracias a un pasaporte legal facilitado por Fernando Morán, entonces cónsul español en Londres. En 1978, al acabar el servicio militar, se instala en Madrid, editando poco después su primer LP e iniciando una carrera musical que, por prolífica y exitosa, no vamos a enumerar en este post. Para aquellos interesados se puede leer aquí. Tan solo decir que su sarcasmo, ironía y mordacidad siempre fueron características muy importantes de su obra.

Finalmente decir que, en los momentos más difíciles de la pandemia del coronavirus, alrededor de una veintena de artistas se unieron para crear una versión de “¿Quien me ha robado el mes de abril?”, un mes ‘perdido’ para la mayoría de los españoles, cuyos beneficios iban destinados a apoyar a Médicos Sin Fronteras y a la investigación de la pandemia. Treinta años después, las redes sociales convirtieron la canción en uno de los himnos del confinamiento. Si el Dúo Dinámico y “Resistiré” fueron de gran apoyo, Joaquín Sabina y “¿Quien me ha robado el mes de abril?” siempre serán una canción para el recuerdo.


Canciones con historia: “Needles and Pins”. The Searchers

junio 26, 2020

“Needles and Pins” (‘Agujas y Alfileres’) es un tema compuesto en 1963 por Jack Nitzsche y Sonny Bono, marido de la conocida cantante Cher. La música, original de los trabajadores pobres negros de EEUU en la década de 1920, tiene raíces del jazz, blues, pop y country. Sin embargo, la historia de la canción es un poco contradictoria. En su autobiografía, Bono señala que fue él quien la entonó mientras Nitzsche tocaba una serie de acordes a la guitarra. Pero Jackie DeShannon, su intérprete original, cantante y compositora norteamericana autora de numerosos éxitos en la década de los 60, cuenta una historia diferente. Afirma que fue escrita al piano y participó junto a Nitzsche y Bono, aunque al final fue excluida de los créditos siendo quien la grabó en 1963 (Nº 84 de las listas Billboard USA). El tema alcanzó el triunfo internacional en 1964 con la versión de The Searchers llegando al Nº 1 en el Reino Unido y el Nº 13 en las Billboard USA. Al respecto, circula una leyenda que dice que la banda utilizó para la grabación una guitarra de doce cuerdas, algo inédito entonces. La realidad no fue así, tal y como cuenta su guitarrista John McNally en una entrevista para la revista Pop Thing:

Pop Thing:
“Los Searchers fueron muy innovadores en su sonido. De hecho, Beatles y Searchers crearon el célebre ‘sonido de guitarras de 12 cuerdas’ y eso que Los Searchers no tenían en 1963 ese tipo de instrumentos, ni tampoco cuando ‘Needles & Pins’ fue grabada, a finales del 63. Se trataba en realidad de dos guitarras de seis cuerdas sonando juntas: la Hofner Club 60 de usted, John, y la Gibson 345 de Mike Pender. El grupo no llegó a tener guitarras de 12 cuerdas hasta mediados de 1964, más o menos. ¿Estamos en lo cierto? Hemos visto fotos de John tocando una Rickenbacker 360/12 (en 1964) y también un vídeo de ‘Needles & Pins’ de finales de los 60, grabado en un tejado de Londres, que muestra a Mike Pender tocando una Rickenbacker 450 o una 460. Y por supuesto, también hemos visto fotos de Los Searchers con esas extrañas guitarras que una compañía (¿la Framus?) dio al grupo en 1964”.

John McNally:
“Tenéis mucha razón en lo que decís de las guitarras. No tuvimos guitarras de 12 cuerdas al empezar, aunque persiste el mito de que las empleamos desde el comienzo. Como decís, el sonido inicial lo conseguimos Mike Pender y yo al tocar juntos nuestras guitarras de seis cuerdas. Respecto del vídeo, realmente se filmó en los primeros 70, en el tejado de la sede del Partido Liberal, en Londres, cerca de Trafalgar Square. Las guitarras de formas extrañas que habéis mencionado eran Burns. Si queréis saber más sobre todas las guitarras que hemos usado en nuestros 38 años de carrera, hay un interesante y detallado artículo sobre ellas en la web oficial de Los Searchers (www.the-searchers.co.uk)”.


The Searchers cantando “Needles and Pins” en 1964.

“Needles and Pins”

A finales de los años 50 comenzaron a surgir las primeras bandas procedentes de la música skiffle. Famosos grupos y músicos británicos como The Beatles o The Rolling Stones se iniciaron como intérpretes de esa música basada en armonías sencillas e instrumentos baratos, que generó un auténtico boom en la Gran Bretaña de la década de 1950. Hasta el punto de convertirse en una corriente popular muy relacionada con las privaciones de la posguerra y el naciente rock and roll. Una música que inició pronto su decadencia, sobre todo en las grandes ciudades, en una época que empezaba a introducirse de forma masiva la guitarra acústica en el incipiente pop británico, siendo Liverpool el centro neurálgico del nuevo sonido beat que combinaba el rock con el pop.

The Searchers se fundaron en 1959 como una banda de skiffle. Estaban compuestos por John McNally (guitarra rítmica y cantante) y Mike Pender (guitarra líder y cantante), incorporándose más tarde Tony Jackson (bajo y vocalista) y Norman McGarry (batería), luego sustituido por Chris Curtis. Tomaron su nombre del famoso western ‘The Searchers’ de John Ford (en España: ‘Centauros del desierto’), sufriendo a lo largo del tiempo diversos cambios. Sus comienzos fueron en los clubs de Liverpool, entonces de moda, entre ellos el conocido The Cavern. En 1962 son contratados por el Star-Club de Hamburgo, firmando a su regreso un contrato discográfico con la firma Pye Records y Tony Hatch su productor. Grupo pionero del beat, fueron de los primeros en utilizar la guitarra de 12 cuerdas y una de las pocas bandas que llegaron a ser comparadas con The Beatles.

Su primer single, una versión del tema “Sweets For My Sweet”, con Tony Jackson como vocalista principal, acompañado en los coros por Pender y Curtis, se convirtió en un gran éxito en el Reino Unido llegando al Nº 1 en el verano de 1963. Triunfo más tarde refrendado por otros como ‘Sugar And Spice’ (Nº 2), escrito por Tony Hatch. Alcanzaron su cenit en 1964 con la versión de ”Needles and Pins”. Ese mismo año el cantante Tony Jackson abandonó el grupo, baja muy importante, sin embargo siguieron su senda exitosa con canciones como ‘Someday We’re Gonna Love Again’ (Nº 11), ‘When You Walk In The Room’ (Nº 4) o ‘What Have They Done To The Rain?’ (Nº 13). Continuaron con sus giras y grabaciones con algún triunfo esporádico, pero al poco tiempo dejaron de tener interés. Lo que unido a la salida de Curtis, principal compositor, en 1967 hace que Pye Records no les renueve el contrato. Aunque intentaron ir con los nuevos tiempos musicales grabando versiones de grupos como The Rolling Stones o The Hollies, los resultados fueron muy discretos. Sus últimos álbumes con un éxito relativo fueron ‘The Searchers’ (1979) y ‘Play for today’ (1980).

Pioneros del beat y de la llamada ‘Invasión Británica’ (British Invasión’), The Searchers, una de las bandas más importantes de los años 60, fueron el segundo grupo de Liverpool, tras The Beatles, en entrar en las listas de éxitos USA. Su versión de “Needles and pins” caló tanto entre la juventud, mucho más que el tema original de Jackie DeShannon, que arrasó en todo el mundo.


Canciones con historia: “La tierra de las mil danzas”. Wilson Pickett

abril 11, 2020

“La tierra de las mil danzas” (‘Land of a Thousand Dances’ o ‘Land of 1000 Dances’) es una canción escrita y grabada en 1962 por Chris Kenner, un cantante de música gospel de Nueva Orleans, que como muchos otros en aquellos años componía temas bailables entonces en boga. En esta ocasión se ‘fijó’ en un viejo espiritual bastante conocido: ‘Children Go Where I Send You’. Algunas de las ediciones en disco señalan también a ‘Fats’ Domino como coautor, según cuentan porque así lo acordó con Kenner a cambio de la mitad de los derechos (royalties).

La canción original alcanzó el número 77 en la lista Billboard en 1963 y hace mención a 16 bailes distintos, entre ellos el twist, uno de los ritmos de moda. Influenciada por el Evangelio, en un principio incluía una breve introducción a capella que duraba 18 segundos con las palabras: “Niños, vayan a donde los envío / (¿Dónde me enviarán?) / Voy a enviarlos a esa tierra / la tierra de mil bailes”. Al final no se grabaron para facilitar la transmisión por radio, como tampoco se incorporó la frase que le da título, “Land of 1000 Dances” (‘La tierra de las mil danzas’), en ninguna versión posterior.

Como a veces ocurre su ‘despegue’ se produjo por casualidad en una época, la década de los años 60 del siglo pasado, donde tener un estribillo pegadizo era importante para llamar la atención del gran público. Comenzó a hacerse muy popular por su: ‘Na na na na na…’ que el grupo Cannibal & the Headhunters añadió a su versión de 1965. Su cantante Frankie ‘Cannibal’ cuenta con cierta gracia como lo consiguió durante una actuación en directo en que se le olvidó la letra no teniendo más remedio que improvisar. ¡Y lo hizo con la famosa frase! La melodía también la creó de forma espontánea. Cuando sus compañeros le preguntaron el por qué, les contestó que fue lo primero que se le ocurrió, respondiéndole entonces…: ‘Prueba a hacerlo de nuevo porque es magnífico, sonaba muy bien’. Su éxito fue tal que terminaron editando la canción en un single.

Sin embargo, quien lanzó “La tierra de las mil danzas” al estrellato universal fue Wilson Pickett. Su versión la grabó con destacados músicos de sesión del Muscle Shoals Sound Studio en los FAME Studios de Alabama, lugar mítico donde habían editado sus discos grupos y cantantes como The Rolling Stones, Aretha Franklin, Willie Nelson, Joe Cocker, Paul Simon o Cat Stevens. Se editó en single en 1966 e incluida en el álbum ‘The Exciting Wilson Pickett’, alcanzando el Nº 1 de las listas Hot R & B / Hip-Hop Songs No. 1 (US Billboard Hot Rhythm & Blues) y el Nº 6 en las Billboard Pop.


Wilson Pîckett y “La tierra de las mil danzas”.

“La tierra de las mil danzas”

Wilson Pickett (Alabama, 1941-2006) fue un cantante afroamericano de rhythm and blues con una trayectoria discográfica muy variada. Considerado una de las grandes figuras del soul de los años 60, sus inicios fueron en un coro local de música gospel. En 1955 pasó a formar parte de The Violinaires actuando por las iglesias de todo el país. En 1961 se unió como cantante a The Falcons, grupo de rhythm and blues, consiguiendo su primer éxito con ‘I Found a Love’. Poco después dejó la banda para iniciar su carrera en solitario.

Apodado ‘Wicked’ Pickett (‘El malvado Pickett’), su canción ‘It’s Too Late’ (1963), de la que era autor, fue su primer gran triunfo llegando al Nº 7 de las listas R&B. Tras su single ‘I’m Gonna Cry’ (1964) se hizo acompañar de los mejores músicos de estudio, entre ellos un aún desconocido Jimmy Hendrix (en la imagen de la izquierda se les puede ver juntos durante una actuación en 1966). En 1965 firmó un contrato con la compañía Atlantic Records grabando ‘In The Midnight Hour’, su primer Nº 1, escrita junto al guitarrista Steve Cooper, coautor de algunos de sus temas más conocidos. Para las siguientes sesiones de grabación se traslada a los Estudios Fame, un antiguo almacén de tabaco, de Alabama, donde editó parte de sus mayores éxitos como “La tierra de las mil danzas” (‘Land of 1000 dances’) (1966) y las versiones de ‘Mustang Sally’ (1966), tema legendario, ‘Everybody Needs Somebody to Love’ (1966) y ‘Funky Broadway’ (1967). Su canción ‘If You Need Me’ (1963), coescrita y originalmente grabada por Pickett, se convirtió en un gran éxito de la mano de Solomon Burke, alcanzando el Nº 2 en las listas de R&B. Fue también versionada por The Rolling Stones (1964), sobre los que ejerció una gran influencia en su carrera. Con el tiempo se convirtió en un autor reconocido componiendo canciones para Led Zeppelin, The Rolling Stones, Grateful Dead, Aerosmith, Creedence Clearwater Revival, Roxy Music o Bruce Springsteen, entre otros.

En 1982, en el Palacio Municipal de los Deportes de Barcelona se celebró un concierto llamado SUPERSOUL, que contó con la presencia de varios mitos de los años 60 como Eddie Floyd, antiguo miembro de The Falcons, el dúo Sam and Dave, que puso al público en pie con ‘Sittin’on the dock of the bay’ en homenaje a Otis Redding, Carla Thomas, y la actuación estelar de Wilson Pickett que arrasó con sus canciones. Uno de los últimos triunfos de Pickett lo logró con ‘Fire and Water’ (1972). Su última grabación, ‘It’s harder now’, con la que cosechó un gran reconocimiento y numerosos premios, se remonta a 1999. A pesar de los muchos problemas personales que afectaron a su carrera, recibió numerosos homenajes y galardones por su trabajo musical y en 1991 fue incluido en el Salón de la Fama del Rock and Roll. Está considerado uno de los músicos de mayor influencia de la década de los 60 y uno de los pioneros de la música Rhytm and Blues (R&B) junto a figuras de la talla de Aretha Franklin y Otis Redding.

Como hemos dicho, “La tierra de las mil danzas” no tuvo mucho éxito en la versión original de Chris Kenner, aunque si lo consiguió a nivel popular, siendo muy bien acogida por los grupos musicales que actuaban en las fiestas de los colegios por su ritmo y letra dirigida a los niños. Entre las muchas versiones grabadas (más de un centenar) merece la pena destacar a Cannibal and the Headhunters, Fats Domino, Tina Turner, Bill Haley, Ted Nuggent o Tom Jones. En España destacó la edición de Los Gatos Negros. Wilson Pickett fue quien la lanzó a nivel universal.


Los Gatos Negros y su versión en español de “La tierra de las mil danzas”.


Canciones con historia: “Libre”. Nino Bravo

enero 27, 2020

Nino Bravo fue un cantante de un éxito arrollador. Le bastaron solo tres años para poner al público en pie con su potente y cálida voz. Alcanzó la fama en un tiempo récord. Tras perder la vida en un accidente de carretera, de su legado musical podíamos haber elegido cualquiera de sus grandes triunfos: ‘Te quiero, te quiero’, ‘Un beso y una flor, ‘Esa será mi casa’, América’ América,… Si nos hemos decidido por ‘Libre’ es por la historia que encierra esta canción dedicada a la primera víctima asesinada por los vopos (apodo con el que se conocía al cuerpo de policía de la RDA) cuando intentaba saltar el Muro de Berlín en busca de la libertad.

No había transcurrido aún un año de la construcción del Muro cuando los jóvenes de la entonces República Democrática de Alemania (RDA) soñaban con escapar a la Alemania Occidental (RFA), desafiando la dura vigilancia de su frontera. Con solo 18 años, Peter Fechter, un obrero de la construcción, que intentaba fugarse junto a su amigo Helmut Kulbeik, se convirtió en la primera víctima, falleciendo el 17 de agosto de 1962 alcanzado por los disparos de los vopos. Su plan consistía en esconderse en un taller de carpintería cercano para desde allí observar el movimiento de los policías, buscando el momento adecuado para saltar desde una ventana al llamado ‘corredor de la muerte’, una franja existente entre el muro principal y otro paralelo que se estaba construyendo. Una vez en el corredor tan solo les quedaría una rápida y larga carrera hasta la pared cercana al ‘Checkpoint Charlie’, famoso paso fronterizo que se encontraba en la Friedrichstraße, en el distrito de Kreuzberg de Berlín Occidental. Una zona de paso del control estadounidense y soviético que estaba permitida únicamente para militares y empleados de las embajadas de los aliados, personal extranjero, trabajadores de la delegación permanente de la RFA y funcionarios de la RDA.

Aunque su amigo logró saltar al otro lado, Peter Fechter fue herido de gravedad en la pelvis durante el intento. Siendo disparados por los vopos ante la presencia de muchas personas, cayó de nuevo en el ‘corredor’ del lado Este donde quedó a la vista de todos, entre ellos varios periodistas. Según algunos testigos, a pesar de sus gritos, no recibió ningún tipo de ayuda médica. Solo del lado Occidental pudieron tirarle un botiquín que no sirvió para nada pues murió desangrado una hora después tras una larga agonía. Su cuerpo fue recogido por los guardias de la RDA, mientras que grupos de manifestantes del lado occidental les gritaban llamándoles asesinos. Se ha atribuido la ausencia de ayuda al miedo mutuo que se tenían ambos países: desde el lado occidental no se permitió hacer nada por el tenso ambiente que existía y lo que habría supuesto entrar en la zona del Berlín Oriental y por la otra parte el jefe de policía afirmó más tarde haber tenido miedo de intervenir, dado que tres días antes se había producido otro incidente en el que un soldado de la RDA había muerto por el disparo de un policía de la RFA.

La canción “Libre”, que se entiende dedicada a la memoria de Peter Fechter, surgió diez años más tarde, en 1972. Interpretada por Nino Bravo y compuesta por José Luis Armenteros y Pablo Herreros algunas de sus estrofas lo dicen todo. Antes de su grabación en disco, fue interpretada por primera vez por Nino Bravo en el programa de TVE ‘Luces en la Noche’, siendo editada luego en un disco single e incluida un mes después en el LP ‘Mi tierra’. Aunque triunfó en España, donde realmente adquirió tintes políticos fue en Hispanoamérica. Prohibida en Cuba, en Chile fue muy popular.


Nino Bravo interpretando “Libre” en TVE poco antes de su lanzamiento en single.

“Libre”
Luis Manuel Ferri Llopis (1944-1973), nombre real de Nino Bravo, fue un cantante español, valenciano, de baladas románticas, pero sobre todo era un ‘crooner’, tal y como se conoce a algunos cantantes masculinos que interpretan cierto tipo de canciones populares y que en el argot estadounidense tiene connotaciones similares a un trovador. Un género que en USA se denomina ‘traditional pop’ o ‘pop standards’, que en su origen tuvo connotaciones peyorativas, de ahí que cantantes de renombre como Frank Sinatra o Bing Crosby no lo aceptaran. Los ‘crooner’ solían estar dotados de una voz grave y se hacían acompañar normalmente por una orquesta o una banda.

Nino Bravo formó su primera banda, Los Hispánicos, junto a dos amigos en 1961, un trío musical muy popular a nivel local. Una aventura que finalizó en 1963, entrando poco después en el conjunto Los Superson como sustituto temporal del cantante solista. Tras un paréntesis obligado por el servicio militar, a su regreso, en 1968, Miguel Siurán, su primer manager, le bautizó con el nombre artístico de Nino Bravo. Le consiguió un contrato con la discográfica Fonogram, que para su primer disco le puso como compositor a Manuel Alejandro, reconocido autor de temas de otros cantantes de renombre como Raphael, entonces ya una figura de la música.

Participó en la selección para el Festival de Eurovisión en dos ocasiones. En la primera, en 1970, se presentó con la canción ‘Esa será mi casa’, su primer gran éxito, llegando a la final que ganó Julio Iglesias con ‘Gwendolyne’. La segunda, en el programa ‘Pasaporte a Dublín’ dirigido por Fernando García de la Vega y Valerio Lazarov, quedó en tercera posición, siendo Karina la ganadora con “En un mundo nuevo”. Programa emitido entre septiembre y diciembre de 1970 por TVE durante varias semanas, su objetivo era dar a conocer a los posibles candidatos para representar a España en 1971. Participaron algunos de los mejores cantantes españoles de la época como Los Mismos, Rocío Jurado, Karina, Cristina, Junior, Jaime Morey,… hasta un total de diez. Tuvo un éxito de audiencia sin precedentes y fue el gran salto a la fama para Nino Bravo. Su nombre comenzó a sonar en toda España con su canción ‘Te quiero, te quiero’, un tema de Augusto Algueró que había interpretado Lola Flores con distinta letra en una película y que había pasado sin pena ni gloria grabado por Carmen Sevilla y Raphael. Sin embargo, en la voz de Nino Bravo alcanzó un éxito arrollador. A este tema le siguieron otros de gran impacto en su corta carrera, entre los que merece la pena destacar: ‘Puerta del amor’, Noelia’, ‘Un beso y una flor’, ’Mi tierra’, ‘Carolina’, “Libre” y ’América América’, canción póstuma que apareció en su último LP editado después de su fallecimiento bajo el título ‘…y volumen 5’, que incluía diez canciones grabadas semanas antes.

Grupo de participantes en el programa ‘Pasaporte a Dublín’ 1970 de TVE entre los que se encuentra Nino Bravo.

Muchas de las canciones de Nino Bravo se han convertido en un clásico. “Libre” es una de ellas. De su letra inspirada en la historia de Peter Fechter, primera víctima del Muro de Berlín, no ha quedado constancia de que sus compositores tuviesen intenciones políticas. Sin embargo, se convirtió en un himno a la libertad gracias a que muchos se vieran reflejados. Sin duda, una de sus estrofas: “Libre, como el ave que escapó de su prisión, y puede al fin volar”, se consagró como un verso universal que enganchó con muchos sueños.


Canciones con historia: “Zapatos de gamuza azul”. Carl Perkins

noviembre 24, 2019

Carl Perkins, pionero de la música rockabilly, mezcla de rhythm and blues y música country, ritmo anterior al rock , es el autor del clásico “Zapatos de gamuza azul” (‘Blue suede shoes’), una de las primeras grandes canciones de la historia del rock.

En los años 50 del siglo pasado los zapatos de ante o gamuza eran un artículo de lujo en el sur de EEUU. Muy elegantes, se solían usar para salir por las noches, aunque no eran fáciles de limpiar por la delicadeza de la gamuza. La historia de “Zapatos de gamuza azul” surgió en 1955 durante una gira de Carl Perkins, Johnny Cash y Elvis Presley. En un show en Mississipppi, mientras Elvis actuaba en el escenario, Cash le contó a Perkins como durante sus días en la Fuerza Aérea en Alemania su sargento, un piloto de avión al que le gustaba engalanarse cuando estaba de permiso, hacía referencia a sus zapatos militares diciendo: “No pises mis zapatos de ante azul”, a pesar de que en realidad fuesen… de color negro. Cash entonces le sugirió que escribiese una canción sobre el tema, a lo que un Perkins asombrado respondió: “Pero si no se nada acerca de esos los zapatos… ¿Cómo puedo escribir una canción sobre ellos?”. Poco después, en una actuación en una escuela de baile, le llamó la atención una pareja en la que el muchacho, que llevaba unos zapatos de ante, le decía a su novia mientras bailaba: “No pises mis gamuzas”. Quedó tan desconcertado al ver que le daba más valor a sus zapatos que a su chica, y acordándose de su amigo Johnny Cash decidió componer la canción que le había propuesto tiempo atrás. Cuenta la leyenda que, al no encontrar ningún papel, la escribió en un saco de patatas en base a lo que sucedió esa noche. Así nació “Zapatos de gamuza azul” grabada a finales de 1955 y lanzada como single en enero de 1956, una canción que muy pronto se convirtió en un éxito alcanzando el Nº 2 en las listas Pop, Country y R&B de EEUU.

“Zapatos de gamuza azul”


Carl Perkins interpretando “Zapatos de gamuza azul” (‘Blue suede shoes’) en 1956 en el show de Perry Como.

Carl Lee Perkins (1932-1998) creció en el seno de una familia humilde dedicada a la recogida de algodón en Tennessee (EEUU). Impregnado por la música gospel y el blues del delta del Mississippi, formó el grupo The Perkins Brothers iniciando su carrera musical a comienzos de los años 1950 actuando en los salones de baile y bares country de su pueblo. En 1955, firma un contrato con una filial de la firma Sun Records de Memphis grabando su primer tema ‘Movie Magg’ con el que había ganado un concurso para jóvenes talentos, lo que le permitió ser el telonero de otras figuras en ciernes como Elvis Presley o Johnny Cash. Este último fue el ‘causante’ de su lanzamiento al estrellato con “Zapatos de gamuza azul” (‘Blue suede shoes’) en 1956, año clave en el nacimiento del rock, donde también compuso otros cinco temas: ‘Honey don’t’, ‘Everybody’s trying o be my baby’, ‘Boppin’ the blues’, ‘Dixie Fried’ y ‘I’m sorry, I’m not sorry’.

Sin embargo, su suerte cambió de repente. Cuando con sus hermanos Jay B y Clayton volvía de Nueva York tras realizar la primera promoción de “Zapatos de gamuza azul” a nivel nacional en el show de Perry Como, su coche sufrió un grave accidente rompiéndose varias vértebras (uno de sus de sus hermanos falleció dos años después a consecuencia de las heridas). “Estaba a 85 millas de ser el primer rockabilly en la televisión nacional”, recordó más tarde. Nunca se recuperó del todo, ni emocional ni profesionalmente. Se tuvo que retirar durante un año. Fue entonces cuando Elvis Presley presionado por su casa discográfica RCA grabó su versión de la canción con la condición de que no fuera editada de inmediato ya que el tema original de Perkins seguía ocupando los primeros puestos de las listas musicales.

Carl Perkins con su banda en 1955.

Aunque siguió componiendo y grabando, lo hizo de forma esporádica, actuando en ocasiones muy contadas. Así, con el resurgir del rockabilly en los años 80, volvió a grabar en 1985 “Zapatos de gamuza azul” como parte de la banda sonora de la película “Porky’s Revenge”. Al año siguiente hizo un especial de televisión en Londres: ‘Carl Perkins and Friends: A Rockabilly Session’ (Carl Perkins y amigos: Una Sesión de Rockabilly) junto a George Harrison, Eric Clapton y Ringo Starr, entre otros. Ese mismo año también grabó el álbum Class of ’55 junto a Johnny Cash, Jerry Lee Lewis y Roy Orbison, como tributo a sus años en la discográfica Sun y al grupo Million Dollar Quartet formado por Carl Perkins, Elvis Presley, Jerry Lee Lewis y Johnny Cash, hoy todo un clásico de la música, realizando sesiones improvisadas grabadas en 1956. Su último álbum, Go Cat Go!, lanzado en 1996, contó con la colaboración de grandes artistas, algunos ya citados y otros como Paul Simon, John Fogerty o Bono.

De “Zapatos de gamuza azul” se han hecho muchas versiones y aunque fue el único gran éxito de Carl Perkins, su influencia ha llegado tan lejos, a tantas grandes figuras, que hoy está considerada una canción para la historia del rock.


Elvis Presley interpretando “Zapatos de gamuza azul” en 1956.


Carl Perkins, Eric Clapton y George Harrison y ‘Blue suede shoes’ durante una actuación en 1985 en el Capitol Theatre de Nueva York.


Canciones con historia: “Chi non lavora non fa l’amore”. Adriano Celentano

octubre 12, 2019

Adriano Celentano, ídolo de la generación ye-ye de los años 60 del siglo pasado, famoso en España por temas como ‘Azzurro’ o ‘Preghero’ (versión de ‘Stand by me’ de Ben E. King a la que hemos dedicado otro post), está considerado uno de los grandes pilares de la música italiana y un icono de la sociedad de su país. Autor de la mayoría de sus canciones, siempre le encantó ir un poco a contracorriente con sus letras a veces al margen de lo políticamente correcto.

Uno de sus temas más controvertidos fue “Chi non lavora non fa l’amore” (‘Quien no trabaja no hace el amor’), que presentó al festival de San Remo 1970 en medio de una huelga general convocada por los Sindicatos y el Partido Comunista Italiano. Hasta tal punto fue la polémica que los Sindicatos, al considerar que la canción ponía trabas al derecho de huelga, exigieron su prohibición. También algunos movimientos feministas que le acusaron de utilización sexista de la mujer como medio de presión social. Lo cierto es que no tuvieron mucha influencia pues no solo ganó el festival sino que sus críticas apenas se notaron en la asistencia a sus conciertos.

Canción de no mucha calidad, su letra habla de un obrero en huelga que llega a su casa y su mujer, que le muestra su rechazo por la falta de ingresos, decide presionarle con ponerse también en huelga donde más le puede doler: “Chi non lavora non fa lámore” (‘Quien no trabaja no hace el amor’). Su reacción es inmediata: mientras todo el mundo sigue en huelga, se lanza a la búsqueda de un trabajo. Por no hacer más larga la historia, solo añadir que durante su periplo es agredido por un piquete, lo que le obliga a ir a pie hasta el hospital más cercano que también se encuentra en huelga, no quedándole al final otro remedio que pedirle a su patrón un aumento de sueldo y de esa manera poder cumplir los deseos de su mujer. En fin, una historia simple y rocambolesca para una canción que fue un éxito de ventas y de críticas adversas con un trasfondo que nunca llegó a ser entendido por determinados colectivos de la sociedad.


Adriano Celentano interpretando “Chi non lavora non fa l’amore (San Remo 1970).

“Chi non lavora non fa l’amore”


Claudia Mori, esposa de Adriano Celentano, cantando “Chi non lavora non fa l’amore (San Remo 1970).

A continuación incluimos un extracto de lo sucedido durante la actuación de Adriano Celentano reflejado en la Web Gallería della canzone que da una idea de lo ocurrido entre bambalinas en aquel Festival de San Remo de 1970.

“1968 y los reclamos de los trabajadores dejan indiferente a Adriano Celentano, quien desde ‘Il ragazzo della via Gluck’ y “Mondo in Mi 7a” ha abandonado el papel del simple ‘screamer’ para comentar a su manera los cambios en la empresa italiana y con cierta sorpresa de parte de los que lo habían escuchado atacar la industrialización en el ‘Il ragazzo della via Gluck’. Esta vez Celentano, inspirado por John Lennon de ‘Give peace a chance’ para ideas corales, estigmatiza a los trabajadores que renuncian al salario para defender sus derechos: por ellos, ‘hay caos en la ciudad’. Sus esposas no salen mucho mejor, pues en esencia se otorgan a cambio de dinero.

Inevitablemente, “Chi non lavora …” cambia su nombre a ‘canción anti-huelga’. Celentano la presenta en el Festival de San Remo de 1970 y tiene su segunda versión cantada por su esposa Claudia Mori. Como de costumbre, el cantante es el protagonista de una especie de pantomima: al igual que en el Festival de 1966, interrumpe la orquesta inmediatamente después del comienzo, porque ha olvidado las palabras. Después de que la orquesta ha reiniciado, sucede una nueva interrupción. ‘Mientras tanto, Adriano logra permanecer más tiempo frente a las cámaras, consiguiendo que la gente impresione bien la frase histórica en su cabeza: ¡Quien no trabaja no hace el amor!

Muchos cantantes se vuelven impacientes. Iva Zanicchi, por ejemplo, comenta: ‘Hace diez años que cuando sube al escenario hace las mismas muecas y los mismos gestos. Quien me sorprende es el público, que después de tantos años sigue cayendo’. La respuesta es fría: ‘Un juicio de Iva Zanicchi, bueno o malo, no me interesa en absoluto’. El hecho de que la canción gane el Festival es visto por algunos como una compensación para Celentano, convencido con dificultad de participar después de años de derrotas. Pero la mayoría lo interpreta como una ‘señal’ a la nación por parte del gobierno. En la “Radiocorriere TV” Corrado Guerzoni escribe que la canción ‘probablemente se convertirá en el himno de la moderación italiana’. En el semanario Panorama’ Myriam De Cesco ilustra el ‘caso’: ‘A Celentano le encanta llamarse ignorante: vive rodeado de una gran cantidad de amigos y familiares (llegó a San Remo con 50 personas) que lo siguen con adoración. (…) Es religioso. No está interesado en la política: sus amigos dicen que es un demócrata cristiano de la derecha. Con su última canción, una balada de protesta contra las huelgas, Celentano ha sido descrito como un fascista, un reaccionario, una invitación a resolver las disputas laborales de manera pacífica y rápida’. Celentano se defiende. ‘La política no tiene nada que hacer’, explica Luciano Beretta, un letrista que se hace llamar la mano derecha del cantante: ‘Es una historia milanesa: una mano en el corazón y una en la billetera. Cómo decir: querido maestro, dame el aumento porque yo también tengo el derecho de vivir en paz con mi esposa como lo haces con la tuya’. La idea le vino a Beretta y Celentano en noviembre, cuando en Milán se podían ver las procesiones. Una idea que tomó forma el día que Beretta presenció frente al Rinascente una discusión entre marido y mujer. Ella gritó: ‘Vuelve al trabajo, por el amor del cielo, que aquí la cartera está regando’. Una justificación que no convenció. ‘Es un insulto para los trabajadores y su causa’, dijo Sergio Endrigo, tercero en San Remo con ‘Arca de Noé’: ‘Yo, señor, nunca lo dije y nunca le diré a nadie’. Even Time, el periódico romano de derecha, llamó a la letra de la canción ‘una broma reaccionaria populista’.

El acusado responde: ‘Aquí nadie entendió nada. Endrigo, entonces, hay un descontento por vocación. El único que ha entendido es el público’. De hecho, como siempre en los años dorados de San Remo, la victoria en el evento lleva al número uno inmediato en la clasificación. ‘No pensé en ganar el Festival, pero estaba seguro de vender tantos discos’, es el comentario de Celentano. En realidad, de hecho venderá el récord de más de 750000 copias en seis meses”.

El debut de Adriano Celentano (Milán 1938) como cantante se produce en 1957 en el Primer Festival de Rock and Roll celebrado en el Palacio de Hielo de Milán, convirtiéndose muy pronto en un ídolo rockero en su país. Fuertemente influenciado por Elvis Presley a partir de entonces comenzó a interpretar canciones inspiradas en géneros tan distintos como el soul, el tango o el vals. En 1961 se presenta al Festival de San Remo, junto a su esposa Claudia Mori, obteniendo el segundo puesto con ‘24.000 Baci’. En 1970 vuelve a San Remo triunfando con “Chi non lavora non la l’amore” cuando ya alternaba su carrera musical con el cine donde también destacó en su faceta de actor y director. Tras la fuerte controversia generada por la crítica con este tema cambia a otro tipo de composiciones como “Un albero di trente piani” (1972), “La ballata di Pinocchio” (1973) o “Yuppi Du” (1975), siendo la década de los años 70 quizás una de las mejores por su estilo reivindicativo más acorde con la situación real de la sociedad. Su trayectoria de más cincuenta años hace de Adriano Celentano una de las grandes figuras de la música italiana y a “Chi non lavora non fa l’amore’ una de sus canciones más recordadas.


Canciones con historia: “Sobreviviré” (‘I will survive’). Gloria Gaynor

agosto 16, 2019

Hay canciones que marcan una época y otras que además trascienden en el tiempo. Son aquellas que por su influencia social describen a la perfección una etapa muy concreta. Este es el caso de “Sobreviviré” de Gloria Gaynor, que triunfó en pleno auge de la música disco (1978) y terminó convirtiéndose en un emblema para muchas generaciones. Pionera por ser el primer tema escrito desde un punto de vista femenino, es un símbolo y un icono de la lucha de la mujer por su propia independencia. Canción estimulante, que sigue vigente en el recuerdo, describe en profundidad una ruptura sentimental y como logra una mujer superar sus miedos e inseguridades afrontando en soledad sin ninguna dependencia.

A principios de la década de los 70, tras años en los que apenas había tenido éxito con el jazz, Gloria Gaynor vio como su carrera daba un vuelco con el boom de la música disco. Cuenta que en sus inicios tenía dudas acerca de su futuro: ‘Al principio, quería ser maestra, me lo estuve planteando durante un tiempo, pero a la vez sentía por la música una gran atracción. Me gustaba cantar, y al final seguí por ahí’. Lo primero que le viene a la mente es su gran triunfo en 1978 con ‘I will survive’ de la que dice que es muy posible no hubiera salido a la luz de no haberse dado una serie de casualidades. La primera ocurrió durante la grabación de su primer LP, ‘Never can say goodbye’, publicado en 1975: ’No existía la música disco antes de aquel álbum’. A pesar de ser una música pensada sobre todo para bailar en las discotecas, el equipo de producción formado por Meco Monardo, su manager, y Tom Moulton, ingeniero, reconocido experto en el sonido disco, decidió unir tres temas: ‘Honey bee’, ‘Never can say goodbye’ y ‘Reach out’ como cara A del single que iba a inaugurar la era del megamix (collage musical que combina elementos de diferentes canciones para crear un conjunto de sonido ‘singular’). ‘Creo que hicimos algo positivo. El mundo tenía muchos problemas por entonces, no era una buena época, y las discotecas le dieron a la gente una vía de escape para sus problemas. A mí me gustaba salir a bailar e insistí en que las canciones tenían que ser más bailables, mientras que Meco sugirió enlazar las tres canciones. A los DJ’s les encantó: no sólo mantenían la pista de baile en movimiento, sino que también les daba tiempo para beber y relajarse’.

Tuvieron que pasar tres años y varios álbumes para que “Sobreviviré” y Gloria Gaynor se encontraran, aunque no pudo evitar que se editara como la cara B de un single. Cuenta que cuando los compositores Freddie Perren y Dino Fekaris le preguntaron que tipo de canción le gustaría para acompañar a ‘Substitute’, el tema principal, les dijo: ‘Una que llegue al corazón de las personas y sea importante para la gente’. Entonces le propusieron “I will survive”, una melodía que habían compuesto dos años atrás. Desde que la escuchó se dio cuenta de su enorme potencial y como tantas veces sucede la casualidad hizo acto de presencia: ‘Al DJ de la legendaria discoteca Studio 54 le hicieron llegar una copia del disco para la pista de baile (maxisingle) sugiriéndole que pinchara la cara B’. El público de Nueva York, que siempre había sido muy exigente, se entusiasmó de inmediato. Su respuesta fue tan favorable que se convirtió en un éxito rotundo, comenzando a sonar fuerte en la radio y en muchos otros clubes. Como comentaba la propia Gloria: “De ese modo ‘I will survive’ se convirtió en la respuesta a mis plegarias. Gracias a ella superé un mal momento. Mi madre había fallecido y mis problemas de salud me hacían temer por mi carrera”.


“I will survive”- Gloria Gaynor (1978).

“Sobreviviré”- ‘I will survive’

Gloria Gaynor en una de sus actuaciones durante un concierto.

Gloria Gaynor (Gloria Fowles, Nueva Jersey, 1949) es una cantante de música disco y soul estadounidense. Empezó su carrera musical en 1965 con la banda Soul Satisfiers. Su primer éxito no vendría hasta 10 años después con ‘Never Can Say Goodbye’, una de sus primeras incursiones en lo que luego fue la música disco: “Grabé la canción porque antes lo habían hecho los Jackson 5 y me gustaba muchísimo su versión, aunque no fuera un éxito de ventas. Formaba parte de mi repertorio en directo y el público respondía muy bien cuando la tocábamos. Por eso me sorprendió tanto que mi versión tuviera el impacto comercial que no tuvo la de los Jackson”. Junto al productor Meco Monardo pronto se convirtió en una de las máximas figuras de la era disco. Otro de sus grandes triunfos lo consiguió con “I am what I am” (“Soy lo que soy”), un himno de frases y palabras motivadoras. Gloria Gaynor fue la reina de las pistas de baile durante más de 20 años y su música traspasó fronteras. Aunque su popularidad ya ha disminuido, sus canciones continúan siendo reconocidas por el gran público. Su mayor éxito le llegó sin duda con “Sobreviviré” (‘I will survive’), todo un símbolo de la música disco, una canción emblemática, un himno reivindicativo, adoptada por muchas personas y colectivos.


Gloria Gaynor interpretando “Sobreviviré” (‘I will survive’) en el Festival de Viña del Mar 1980.


Canciones con historia: “La Plaga”. “Popotitos”. Los Teen Tops

mayo 30, 2019

Aún recuerdo con nostalgia cuando en los años 60 en las Universidades Laborales de Córdoba y Tarragona nuestros compañeros de la emisora de radio nos despertaban con su música vibrante. Solo con oír sus canciones hacía que el cuerpo pidiese ‘marcha’. Luego, en los momentos de ocio, eran cuando muchos se animaban a ‘practicar’ los trepidantes bailes del rock y el twist, que empezaban a marcar las preferencias musicales de los jóvenes de aquella España ye-ye de entonces. Un rock, que nacido en la década de los 50, estaba ‘catalogado’ como música ruidosa y visos de una moda pasajera. Sin embargo, no fue así como es sabido: no solo permaneció en el tiempo, sino que fue uno de los indicadores del cambio social que se estaba produciendo. Un signo de identidad para muchas generaciones. Eran tiempos donde Elvis Presley, The Beatles, Cliff Richard, The Shadows, The Everly Brothers, Paul Anka, Dúo Dinámico y tantos otros alegraban cada jornada de una época inolvidable. ¡Los años 60! ¡La década prodigiosa!

La explosión del rock and roll arrasó en todo el mundo. Tanto que incluso cada país creó sus propios ídolos autóctonos: Adriano Celentano en Italia, Cliff Richard en Inglaterra o Johnny Hallyday en Francia. En España se puede decir que ‘llegó’ con dos grupos latinoamericanos: los cubanos Los Llopis y sobre todo Los Teen Tops, mejicanos, con su cantante y líder Enrique Guzmán, que con sus versiones en español de los grandes éxitos USA triunfaron con temas como “La Plaga” y “Popotitos”, quizás sus éxitos más sonados. Dos canciones que traemos aquí, no por el origen de su historia, sino por la connotación de sus letras en unos años en que la censura moral, religiosa, sexual o política en nuestro país estaba a la orden del día.

“La Plaga”, que se editó como disco sencillo en España en 1960, es la versión del tema rockero ‘Good Golly Miss Molly’, un éxito mundial en la voz de Little Richard. Al igual que en otras versiones grabadas por Los Teen Tops, la letra en español no se parece casi nada al original en inglés. Son completamente distintas. Incluso la palabra rock and roll tiene un significado diferente para los jóvenes de habla inglesa o española. Su letra en inglés, con una doble intención, hace referencia en todo momento al sexo. Son las expresiones de un joven adolescente que tiene relaciones con Miss Molly y así lo insinúa. Sin embargo, en español, por poner un ejemplo, el significado del verbo ‘rocanrolear’ es ‘bailar’, sin ninguna otra connotación. Trata la historia de una joven apodada ‘La Plaga’ cuya fama, a diferencia de Miss Molly, no está relacionada con el sexo sino solo con el baile (‘le gusta bailar y cuando está rocanroleando es la reina del lugar’). Como en otros temas de Los Teen Tops, (p.e. ‘Popotitos’), la ‘Plaga’ no es una chica bonita (‘no es que fuera muy bonita, sino que sabe bailar’), ni tampoco del agrado de los padres del joven, pero tiene lo más importante: ¡le gusta bailar’!. Esta diferencia entre el contenido sexual de doble sentido de la letra en USA e Inglaterra contrastaba sobremanera con la relación con el baile y la rebeldía juvenil de Latinoamérica y España, diferencias muy claras entre el rock foráneo y el español y que resultaban llamativas en la versión de Los Teen Tops.

“La Plaga”


Los Teen Tops interpretando “La Plaga”.

“Popotitos” (1962) es posiblemente el mayor triunfo de Los Teen Tops en España y el último disco con Enrique Guzmán como vocalista, donde alcanzó el nº 1 y está considerada una de las fundadoras del rock cantado en español. Su música es la de ‘Bonie Moronie’ de Larry Williams, un gran éxito en el mercado USA 1957. En cuanto a la letra, si bien en esta ocasión tiene alguna similitud con la canción original, sus diferencias también son notables. Al contrario que la versión en inglés, donde el sexo es el tema central con expresiones como ‘tengo una chica llamada Bony Moronie’ y un estribillo que se repite diciendo ‘pero yo la amo y ella me ama, y más felices no podríamos ser, haciendo el amor bajo el manzano’, en “Popotitos” se ha eliminado toda referencia sexual. En una entrevista en España. Enrique Guzmán, autor de la letra, decía que la escribió pensando en su hermana, porque tenía ‘piernas de pollo’, aunque, como ya hemos señalado, en el fondo la verdadera razón era conseguir pasar el filtro de la censura.

“Popotitos”


“Popotitos” y Los Teen Tops.

El rock and roll, el fenómeno más importante de la historia musical, surge a mediados de los años 50 en USA cuando los jóvenes deciden tener su propia identidad. Nace así una música hecha por y para una juventud que hasta entonces tenía que escuchar y bailar la de sus mayores. Los Teen Tops fueron uno de los grupos idolatrados por los españoles en ese devenir del cambio. Interpretando canciones que no eran ‘suyas’, sino versiones de los grandes éxitos del momento como ‘El rock de la cárcel’, “La Plaga”, ‘Presumida’, ‘Confidente de secundaria’, ‘Buen rock esta noche’, ‘Tutti frutti’, ‘El rey del rock o ‘Zapatos de gamuza azul’. Su gran mérito fue adaptar esas grandes canciones al español. ¡Rock¡ en estado puro, sencillo y directo, para un público ávido de nuevas sensaciones con un principal objetivo: ¡bailar! Una época en que los discos de rock llegaban a España tarde o no llegaban. Unos años en que los jóvenes ye-ye escuchaban, sobre todo en los guateques, la música que venía de fuera. En ese panorama irrumpieron con fuerza con sus ‘regates’ para pasar la censura de las letras. Y una buena muestra es la que hemos dedicado a “La Plaga” y “Popotitos”  que abrieron horizontes a la nueva cultura musical. ¡El rock!


Little Richard interpretando ‘Good Golly Miss Molly’, versión original de “La Plaga” de Los Teen Tops.


Larry Williams interpretando ‘Bony Moronie’, versión original de “Popotitos” de Los Teen Tops.